Benjamin Paulin est l’homme moderne, un crooner désabusé qui entonne des paroles lourdes de sens avec des mots simples. De la chanson à texte qui pioche dans le meilleur de chaque courant musicaux pour tenter une nouvelle proposition.

Inspiré par Gainsbourg, Leonard Cohen, Leo Ferré, Beck, ODB ou encore Jacques Dutronc, Benjamin Paulin c’est tout simplement de la chanson française qui vit avec son temps et absorbe tous les courants musicaux qui passent à sa portée.

Ce premier album est à la fois un accomplissement et un commencement. Il donne à Benjamin l’occasion d’élaborer avec Logilo (Mc Solaar, Sages Poètes de la rue…) et Regis Ceccarelli (Henri Salvador, Abd al Malik…) une musique plurielle, sans frontière, teintée d’influences diverses du rock à la soul en passant par le hip hop et la pop bien sûr.

Fils de la génération X, il fait le pont entre les tendances et les générations, parlant de tout le monde et à tous les mondes. Un pied dans le passé, l’autre dans le futur, la tête dans les nuages, avec sa voix de crooner il vous fera passer de l’amour le plus naïf à l’ironie la plus froide en un claquement de doigt sur des rythmes effrénés qui n’attendent que vous !

Benjamin Paulin est né à Paris en 1978, juif polonais, italien, suisse allemand, il est ce qu’on appelle un vrai français. Solitaire et singulier, il se réfugie très jeune dans l’écriture. Joyeux pessimiste, fainéant « sur actif », Benjamin cultive ses contradictions jusqu’à en faire sa marque de fabrique. Inspiré par le parcours de son père, le designer Pierre Paulin, il cherche la simplicité du trait qui ne s’acquiert qu’au fil du temps en récompense d’un travail incessant.

Benjamin Paulin infuse ici et là, entre poésie, littérature, slogan publicitaire « Warholien », répliques à la Audiard et humour noir.

Si le monde est tordu, que la politesse vous rend dingue / Si les fleurs ne marchent plus… Dites le avec des flingues. (Dites le avec des flingues)

Jadis avec une barbe et un bonnet, il officiait au sein du groupe de hip-hop « Puzzle ». Après deux albums récompensés d’un fort succès d’estime et un solo (Suicide Commercial), Benjamin devient « l’Homme moderne », soucieux qu’il est de sortir de tout cloisonnement musical et de s’adresser à tous.

Je ne me sens pas comme un gars de 30 piges encore / Plutôt comme deux gosses de 15 ans coincés dans le même corps. (J’ai changé)

Inspiré par Gainsbourg, Leonard Cohen, Leo Ferré, Beck, ODB ou encore Jacques Dutronc, Benjamin Paulin c’est tout simplement de la chanson française qui vit avec son temps et absorbe tous les courants musicaux qui passent à sa portée. Ce premier album est à la fois un accomplissement et un commencement. Il donne à Benjamin l’occasion d’élaborer avec Logilo (Mc Solaar, Sages Poètes de la rue…) et Regis Ceccarelli (Henri Salvador, Patrick Bruel, Abd al Malik…) une musique plurielle, sans frontière, teintée d’influences diverses du rock à la soul en passant par le hip hop et la pop bien sûr.

Fils de la génération X, il fait le pont entre les tendances et les générations, parlant de tout le monde et à tous les mondes. Un pied dans le passé, l’autre dans le futur, la tête dans les nuages, avec sa voix de crooner il vous fera passer de l’amour le plus naïf à l’ironie la plus froide en un claquement de doigt sur des rythmes effrénés qui n’attendent que vous !

Benjamin Paulin, sample les époques pour construire la sienne. Il est l’homme moderne se livrant corps et âme dans ce premier opus qui vous fera voyager surplace.

Site web: http://myspace.com/benjaminpaulin

Artistes en relation

• Agnès Bihl
• Nicolas Ghetti
• Le disque Obama : les chansons passionnelles de Jann Halexander
• Andreas Kay

Dans les années 90, Juliette Noureddine, a pris la relève avec talent de ses prédécesseurs : Brel, Barbara, Anne Sylvestre. Par la beauté de ses interprétations, par sa générosité sur scène, par le talent de ses musiciens, elle a…injecté du sang neuf dans la Chanson. Sans y ajouter, comme l’aurait voulu une certaine intelligentsia, du rock ou de la pop. Alors certes, à part Sur l’Oreiller ou Lapins, il est difficile de se souvenirs des mélodies longues et travaillées de Juliette. On écoute un cd et souvent…on range…

Car c’est l’atmosphère globale qui séduit, notamment sa présence (d’aucuns diront truculence) sur scène. Parfois ce qu’elle raconte entre les chansons est plus intéressant, plus drôle que les chansons elles-mêmes. Peut-être que c’est ce qu’elle dit entre les chansons qui fait passer la pilule. Et cela, le grand public (notion toute relative tant elle est risquée) approuve. On peut le déplorer, disent certains. Car le public de Juliette n’est pas forcément féru de Chanson française. Il ira voir Juliette, il n’ira pas forcément voir Bernard Joyet, qui a pourtant écrit parmi les plus belles chansons de la chanteuse (Mayerling, il n’est pas de plaisir superflu!).

Juliette a sublimé la Chanson…et a dépassé la Chanson. Tel un astre géant mais lointain. Difficile de la mettre dans le milieu de la Chanson. on l’imagine franchement mal, combien même ce serait le cas, dans une programmation du festival chanson et surranné- ronron de Barjac (qui n’a pas franchement innové ces dernières années, on tourne en rond et un peu autour des mêmes artistes).

Alors on peut dire que Juliette a réussi. Attention, la notion de réussite est toute relative. Réussir c’est exister en étant soi et non en dépendant des modes. Jean-Pierre Réginal à qui j’ai consacré des pages en est l’exemple type. Exister contre ou avec vents et marées. Et les exemples jeunes et moins jeunes ne manquent pas, dont j’ai évoqué le travail.

Un chanteur me disait par mail : tu sais, le milieu de la chanson c’est une chose, la chanson c’en est une autre. En y réfléchissant bien, il semble que ce soit les solitaires, les non-affiliés à un ‘clan’, les ‘monstres’, les ‘fous’ qui donnent à la Chanson ses plus belles lettres de noblesse et sa raison d’être. Et c’est assurément le cas de Madame JULIETTE!

Luc Melmont

Artistes à voir

• Tandem
• Pernice Brothers
• Chris Stills
• Ahmed Mouici
• The Notwist

BAZBAZ, album « La Chose » SORTIE le 1^er MARS 2010 (Sakifo Records / Wagram)

www.bazbaz.biz

« J’aime bien les histoires drôles et tristes à la fois, comme dans les films italiens des années 60. Mais dans la musique il ne faut jamais faire de pathos. Alors je fais rire et pleurer à la fois, toujours sur la frontière. Je suis un mauvais poète, mais un bon musicien. » (Camille Bazbaz)

Ça se passe dans le premier titre de « La Chose », cinquième album signé Camille Bazbaz. La chanson s’intitule « Insectes ». Au premier degré, c’est une pop song aimable, un morceau qui se siffle. Arrangements de cuivre fastueux comme chez Curtis Mayfield, rythmiques délicatement reggae, piano recrachant l’école pop de Liverpool, année 1967.

Sauf que voilà, sous le costume pop, il plane un nuage de cafard. Une sensation punk. Qu’entend-on dans « Insectes » ? « Je suis une enfance de mouche. Je suis une violence qui pleure et qui louche. Et même si j’ai tort, je crache sur la mort.»

Camille Bazbaz est un performer et crooner de premier plan. Une bête de live nominée aux Victoires de la musique dans la catégorie « Révélation scénique ».

Les 11 titres de « La Chose » confirment l’impression ténébreuse. Ils disent que l’amour peut être une souffrance. Ils parlent de sexe avec crudité et poésie: « La chose c’est mon truc, le truc c’est mon tic. Il doit y avoir un hic et l’amour, c’est biblique » (« La Chose »). Ce disque balance des constats amoureux glaçants : « Mon corps est là à côté de toi, mais tu n’en veux pas. Il y a comme un froid » (« Sirènes »). Tout ça est jeté au ciel avec la désinvolture des dandys qui savent bien qu’on meurt plus souvent à l’amour qu’à la guerre. Mine de rien il y a du Bashung dans cette façon de faire passer le spleen et la violence en contrebande, planqués derrière les mélodies.

Agenda tournée :

le 07/05 : EMB (Sannois,95)

le 08/05 : Le Cabaret Sauvage (Paris)

le 15/05 : Festival « Alors…chante! » (Montauban, 82)

le 12/06 : Festival MELUSIC (Lusignan, 86)

le 19/06 : Les Invites (Villeurbanne, 69)

le 20/07 : Festival Pleine Lune Montselgues, 07)

le 23/07 : Indétendances/Paris plage (Paris)

le 24/07 : Indétedances/Metz plage (Metz)

le 31/07 : Aymon Folk Festival (Bogny sur Meuse)

le 04/08 : SAKIFO Festival (Saint Pierre, Ile de la Réunion, 974)

le 19/08 : Les Jeudis du Pont (Brest, 29)

le 21/08 : La Solitaire Afflelou (Cherbourg, 50)

le 28/08 : Festival Yffirock (Yffigniac, 22)

le 26/11 : La Cigale (paris)

Artistes à voir

• Tony Gatlif
• Sol En Si
• Saint Etienne
• Phil Asher
• Yannick Noah

Stéphan Eicher

Celui qui rêve toujours et encore de "déjeuner en paix" se construit une oeuvre musicale très originale, en marge de toutes les modes. Célèbre pour son amour des hôtels (il ne les quitte jamais sans avoir photographié la chambre qu’il occupe !), il donne à son album le plus célèbre le nom du Casino/hôtel dans lequel il a conçu ses chansons : "Engelberg". Le visage anguleux, cette démarche féline, il la doit sans doute à ses origines gitanes : son père gagne sa vie comme violoniste de jazz. Solitaire, sa curiosité sans borne lui permet d’acquérir une culture importante. Comme beaucoup de jeunes, Stephan crée un groupe de rock. Grauzone, spécialisé dans le punk, enregistre un 45 tours remarqué en Allemagne : "Eisbar". Exigeant, peu sûr de lui, c’est la rencontre avec Martin Hess, son futur manager, qui va tout déclencher. Stephan Eicher étonne avec une musicalité originale, basée sur la musique électronique : "Chansons bleues" lui permet de se faire une place, le triomphe ne viendra que deux ans plus tard, en 1986 avec l’album "I tell this night". En effet, le titre "Two people in a room" devient rapidement un tube. La première rencontre avec le public de l’Olympia conforte l’évidence : une vedette est née. Le troisième album "Silence" cartonne de nouveau grâce au titre "Combien de temps".

Peu enclin à suivre une route toute tracée, Stephan Eicher propose avec son quatrième album un son acoustique plus travaillé : les véritables instruments deviennent une nouvelle base de réflexion. "My Place" étonne, "Sois patiente avec moi" séduit. 1991 reste une grande année avec la parution d’"Engelberg". De nombreux textes sont signés du romancier Philipe Djian, alors très à la mode. "Déjeuner en paix" devient succès mondial. En 1993, "Carcassonne" marque un nouveau tournant musical avec une recherche acoustique encore plus poussée. Les nombreuses tournées qui suivent donnent lieu à un album live très coloré : "Non ci badar, guarda e passa". Il faut attendre 1996 pour entendre un nouvel album, ce sera "1000 vies", qui déçoit un peu avec un son électronique très poussé. Notons que le chanteur mélangetraditionnellement les langues dans ses albums : les titres en français côtoient d’autres en anglais et en allemand avec une grande liberté. "Louanges", en 1999, ramène le chanteur à Engelberg où il enregistre cet album. "Venez danser", sans atteindre le triomphe de ses précédents titres, marche bien. Aujourd’hui sort "Hotel’s", un double album composé de reprises et de quelques nouveaux titres.
Solitaire, errant, insaisissable : Stephan Eicher participe de la vie de la chanson internationale avec une recherche permanente de la perfection.

Artistes à voir

• Zambla
• Robert Palmer
• Collectif ASIE
• Jean-Luc Lahaye
• Daphné

The Eagles

Les Eagles prennent leur envol en 1971 depuis Los Angeles. Un nid que leur fabrique John Boylan. Le producteur de Linda Ronstadt, conscient du potentiel de Glenn Frey, de Randy Mesner au chant et à la basse, de Bernie Leadon au chant, à la guitare et au banjo, et de Don Henley au chant et à la batterie, les prend sous son aile. En 1972, leur premier album, sobrement intitulé " The Eagles ", leur apporte un succès quasi immédiat, notamment avec " Take it easy " et " Witchy women ".
En 1973 sort " Desperado ", également enregistré à Londres. " Desperado " et " Tequila sunrise " donne à l’album toute sa substance. L’année suivante, le groupe, qui compte désormais le guitariste Don Felder, triomphe non plus seulement sur la côte californienne mais également sur la scène internationale grâce à " On the border ". Le disque est un énorme succès commercial assuré par " Already gone ", " James Dean " et " The bets of my love ". Suit alors une tournée américaine et européenne.
En 1975, les titres " Lyin’ eyes " et " Take it to the limit " assurent le succès de l’album " One of these nights ", disque d’or quinze jours seulement après sa sortie. Ce triomphe est le dernier de Bernie Leadon, du moins avec les Eagles, puisque, déçu par la tournure musicale que prend le groupe, il s’en va. Il est remplacé par Joe Walsh.

Un hôtel hors catégorie

En 1976, sort le désormais légendaire " Hotel California " (qui n’est autre que le Beverly Hills Hotel de Sunset Boulevard, représenté de nuit sur la pochette à fond bleu, entouré de palmiers). Plus de 9 millions d’exemplaires achetés l’année suivant sa sortie. L’album, sur lequel se trouve " There’s a new kid in town ", sonne le glas de la country et l’avènement du rock chez les Eagles.
Le groupe est adulé des deux côtes de l’Atlantique. Les tournées s’enchaînent aux Etats-Unis, au Canada et en Europe, à l’exception de la France.
Alors que Randy Meisner est remplacé par Timothy B. Schmit, le groupe sort en 1979 un double album, " Eagles live ", dont cinq des quinze titres, remontent à des concerts enregistrés en 1976 du temps de Randy Meisner.
En 1982, le couperet tombe, le groupe, cloisonné dans une vision réductrice et étriquée qui célèbre le surf, la décadence et l’individualisme de la Californie, se sépare.
Pourtant, douze ans plus tard, les Eagles, qui n’avaient jamais exclus de rejouer ensemble, se retrouvent pour un concert acoustique télévisé. La représentation est suivie de l’album " Hell freezes over " sur lequel on retrouve d’anciens titres revisités et quatre inédits, dont " New York minute ".
Une tournée américaine est alors organisée jusqu’à ce que, selon la version officielle, Glenn Frey tombe malade. De nouveau en 1996, des concerts européens sont annoncés avant d’être annulés manu militari.

Artistes à voir

• Francis Cabrel
• The Roots
• Isobel Campbell
• Joseph d\ »Anvers
• Keren Ann

Bob Dylan

Robert Allen Zimmerman dit Bob Dylan
Né le 24 mai 1941 à Duluth (Minnesota), Etats-Unis

Robert Allen Zimmerman, qui n’est pas encore Bob Dylan (un pseudonyme inspiré par le poète gallois Dylan Thomas), a à peine dix ans lorsqu’il fuit Hibbing, une cité minière à la frontière américano-canadienne, pour gagner Chicago. C’est semble t-il dans la capitale du blues qu’il fait la connaissance du bluesman, Big Joe Williams, qui lui offre une vieille guitare dont il fait rimer les accords avec son harmonica.
Après des études littéraires dans le Minnesota, il rencontre à New-York son idole Woody Guthrie avant d’enregistrer quelques morceaux avec la chanteuse, Carolyn Hester.
Fort de cette première expérience, le chanteur, qui s’oriente vers une musique folk / blues, sort son premier album " Bob Dylan " en 1961.
Il faut attendre son second disque " The freewheeling’ Bob Dylan " pour que le personnage se dévoile. Le chanteur se mute en parolier. Ses revendications flirtent avec la poésie d’Arthur Rimbaud et de John Keats.

Rencontre avec Joan Baez

Au milieu des années 60, il marie ses textes à sa guitare électrique et donne naissance aux albums " Bringing it all back home " et " Highway 61 revisited ". La notoriété de Bob Dylan devient alors grandissante. Il se produit régulièrement aux côtés de Joan Baez, dont il partage plus que des idéaux…
Il rompt avec la culture folk blues en 1965, l’année de sortie de " Like a rolling stones ", qui se veut plus rock. L’année suivante, alors que " Mr Tambourine man " est un succès mondial, le chanteur est victime d’un grave accident de moto qui l’oblige à vivre reclus chez lui à Woodstock sans pour autant oublier la musique puisqu’il s’adjuge les compétences du groupe, " The Band ", qui ne tarde pas à l’accompagner dans ses tournées.
C’est à cette période qu’après le folk, le blues et le rock, il se tourne un temps vers la country avec des titres tels que " John Wesley Harding " (1967), " Nashville skyline " (1969). " Lay Lady lay " devient également un classique.
Les tournées s’enchaînent en 1973 ; l’une d’elle fait d’ailleurs l’objet d’un double album " Before the flood ". Deux ans plus tard, il revient avec " Blood on the tracks ", dont sont extraits " Simple twist of fate " ou encore " Lily ". Le titre " Rosemary and the Jack of hearts " sera, lui, repris par Joan Baez avec qui il sillonne les Etats-Unis, aux côtés de Joni Mitchell et de Roger Mc Guinn des Byrds, pour la tournée Rolling thunder revue.

Chanteur engagé

Dans une Amérique conservatrice, Bob Dylan, interpellé par le parcours du boxer noir américain, Rubin Carter, alors emprisonné, écrit la chanson " Hurricane ".

Après trois opus fortement influencés par le religieux, jusqu’à " Infidels " en 1983, les années 80 ne sont pas propices à Bob Dylan dont les albums sont boudés par le public.
En 1990, le chanteur revient sous le nom de Lucky Wilbury, aux côtés de George Harrisson et de Roy Orbison, à la faveur des deuxième et troisième albums des Traveling Wilburys. C’est en 1990 également qu’il sort " Oh mercy " et " Under the red sky " sur lequel il invite, George Harrison, Jimmie et Stevie Ray Vaughan, Elton John et David Crosby.
Décidemment toujours très productif, le chanteur sort " The bootlegseries ", trois CD d’inédits qui contiennent notamment la première version de " Like a rolling stones " qui était une valse. L’album " Time out of mind " lui vaut trois Grammy Awards en 1997. Quatre ans plus tard, c’est "Love and theft" qui paraît. Un album qui résonne comme une rétrospective de son oeuvre.
Figure emblématique, Bob Dylan se voit honoré par Martin Scorsese qui consacre un documentaire à ses débuts, " No direction home " en 2005.
Un an plus tard, le chanteur met la touche finale à sa trilogie entamée en 1997 avec son quarante-quatrième album, " Modern time ". Un disque influencé par le blues, le jazz et la country, qui s’appuie sur une voix désormais plus grave qui, à la manière des " Temps modernes " de Charlie Chaplin, s’interroge sur la finalité de notre époque.
En 2007, Bob Dylan entreprend une tournée qui le mène en avril au Palais Omnisport de Paris-Bercy.

Sa voix nasillarde, reconnaissable entre toutes, et sa guitare cinglante ont traduit les errances d’une jeunesse tantôt désabusée par la guerre du Vietnam, tantôt portée par les espoirs d’une société égalitaire.
Ses textes font l’objet d’études et sa musique influence la scène rock.

Artistes à voir

• Phantom Planet
• P.O.D.
• George Benson
• Misty In Roots
• Nicole et Natalie Appleton

Jacques Dutronc

Né le 28 avril 1943 à Paris

Jacques Dutronc ne cesse de trimballer son élégance cynique dans un monde dont il utilise les turpitudes comme exutoire. Derrière le masque volontiers goguenard se cache une sensibilité d’écorché, qui s’est épanouie largement sur grand écran. En effet, Jacques Dutronc réussit le tour de force d’être autant apprécié pour ses talents de chanteur que de comédien. C’est dans le 9ème arrondissement qu’il grandit, là même où l’on trouve "Les petits jardins" qu’il chantera plus tard. Plus attiré par la musique, une passion héritée de son père, que par les études, il crée le groupe El Toro et les Cyclones. Deux 45 tours remarqués sortent en 1962. Le groupe se dissout rapidement et c’est dans l’ombre des vedettes de l’époque que Jacques Dutronc, un temps guitariste d’Eddy Mitchell, prépare son arrivée sur le devant de la scène.

C’est le temps de l’amour avec Françoise

Alors qu’il est directeur artistique de la maison de disque Vogue, on lui demande d’écrire une chanson pour un talent qui monte : Françoise Hardy. "C’est le temps de l’amour" fait un tabac, et un couple se forme… En 1965, la rencontre avec le journaliste Jacques Lanzmann, qui lui écrira pendant 10 ans ses textes, précipite les choses. L’année suivante, Dutronc affronte le public comme chanteur. "Et moi, et moi, et moi", son premier titre, est un coup de maître. Ce beau gosse au sourire moqueur conquiert immédiatement un large public qui se piquera avec délice à ses "Cactus", titre de son premier album. "Les Play boys", "J’aime les filles" et surtout "Il est cinq heures, Paris s’éveille" enchantent le public d’hier et d’aujourd’hui.

Alors que le pays traverse la crise de 1968, Dutronc, fidèle à son image de paresseux iconoclaste, chante "L’opportuniste" et choque le bourgeois tout en amusant les jeunes. "L’hôtesse de l’air", "L’aventurier" passent en boucle dans toutes les surprises party dans le vent. Nous sommes à la fin des années 60, le chanteur décide de prendre son temps. La Corse devient l’île on où il passera le plus clair de son temps. En 1972, "Le petit jardin" avec sa mélodie pleine d’une tendresse déchirante, devient un hymne pour les premiers écologistes. Dès l’année suivante, l’artiste délaisse la chanson pour le 7ème art. La télévision ? Il se contente de chanter le générique d’Arsène Lupin : "Gentleman cambrioleur" (un succès, bien entendu). Le cinéma lui permet d’affirmer une facette de sa personnalité jusqu’alors inédite. Lui qui amusait la galerie bouleverse dans "L’important c’est d’aimer". Cette même année 1975 l’album "L’île enchanteresse" marque la fin de sa collaboration avec Lanzmann.

Un retour en fanfare

Il faut attendre les années 80 pour retrouver trace du chanteur avec l’album brûlot "Guerre et pets", co-écrit avec son grand ami Gainsbourg. "L’hymne à l’amour (moi l’noeud)" a toujours la faculté d’irriter les bien-pensants, le chanteur enfonce le clou en 1982 avec "C’est pas du bronze". Quant au titre "Merde in France", en 1984, il déchaîne une violente polémique. "CQFDuctronc", en 1987, semble plus mollasson. Pourtant le chanteur y fait montre d’une grande sensibilité et parle de son port d’attache : "Corsica" avec beaucoup de ferveur. C’est en 1992 que Dutronc remonte sur scène au Casino de Paris. Très touché par l’accueil chaleureux d’un public enthousiaste, le chanteur se voit également remettre la Victoire de la Musique pour ce spectacle. Son nouvel album, "Brèves rencontres", sort en 1995. Diverses sonorités (rock, ballade,…) se côtoient avec bonheur. "Tous mes goûts sont dans la nature", avec Etienne Daho, passe régulièrement sur les ondes. Récemment, le duo qu’il forme avec Françoise Hardy pour la reprise du titre créé par Mireille : "Puisque vous partez en voyage" rencontre un large succès. Loin du vacarme du show biz, Jacques Dutronc poursuit son chemin entre humour et tendresse à fleur de peau.

Artistes à voir

• Funk D\ »Void
• Simple Minds
• Palindrome
• Maxïmo Park
• Grand Dérangement

Yves Duteil

Grand défenseur de la langue française devant l’éternel, Yves Duteil a su très rapidement se faire une place dans le paysage de la chanson. Auteur compositeur aguerri, il sait également imposer ses vues dans les domaines sociaux et politiques, s’attirant amis et ennemis à parts égales. Sa poésie, sa grande tendresse pour le genre humain permettent à son oeuvre de perdurer. D’une enfance modèle et appliquée, le jeune homme garde la droiture d’esprit. S’il maîtrise parfaitement le piano et l’orgue, son attirance pour la chanson le pousse à apprendre la guitare, instrument qui ne le quittera plus. Délaissant les études pour laisser éclore sa passion, il commence à se produire dans de petits cabarets, ainsi qu’au Club Méditerranée. Mireille l’accueille au sein de son Petit Conservatoire, l’élève se montre une fois encore très appliqué. En 1972 sort "Virages ", son premier 45 tours. Remarqué par Juliette Gréco, il se produit sur scène à ses côtés. Rien n’est encore gagné, et c’est en 1974 que Duteil s’impose grâce à un concours belge qu’il remporte haut la main pour son premier album "Ecritoire". La qualité de son écriture est unanimement saluée.

Une qualité Made in France

Le grand public accueille triomphalement "La Tarentelle", album sorti en 1977. Prix Charles Cros à 28 ans, les singles extraits de l’album s’arrachent : "Le petit pont de bois" et "Prendre un enfant par la main" sont diffusés en boucle sur les radios, leurs textes optimistes, tendres avec un rien de mélancolie touchent le public au coeur. Les salles combles attendent le chanteur dans toute la France. Sa renommée dépasse largement nos frontières et Yves Duteil devient un ambassadeur culturel au Japon.
Jeanne Moreau le choisit pour écrire et interpréter avec elle la chanson titre de son second film : "L’Adolescente ". Préférant la qualité à la quantité, le chanteur prend son temps pour écrire ses nouvelles chansons. Il n’hésite pas à s’éloigner des chemins de la gloire en se consacrant, en 1981, à un album destiné aux enfants ("L’opéra "). En 1984, "Statue d’ivoire " donne lieu à une série de concerts, nouveau triomphe. Avec "La langue de chez nous", il s’impose comme un grand défenseur de la langue française. Ce côté un peu conservateur peu agacer, ses détracteurs ne se gênent pas pour épingler celui qui incarne à leurs yeux une mièvrerie tranquille, alors que le chanteur défend simplement ses convictions. Croulant sous les récompenses, et sûr de la fidélité de son public, Yves Duteil ne se laisse pas atteindre par ces attaques et sort en 1987 "Ton absence ", au ton encore plus intime et tendre que les précédents.

Monsieur le Maire

En 1989, nouvelle occupation pour le chanteur qui devient maire de Précy-sur-Marne, où il réside, de même que la chanteuse Barbara. En 1990 "Blessures d’enfance" ("Les dates anniversaires ") cerne un des thèmes phare de l’artiste qui n’hésite pas à parler de sujets douloureux. Le chanteur motive l’équipe de France aux Jeux Olympiques d’Albertville en 92 avec le très bel hymne : "La fleur de l’impossible" qui saura motiver l’équipe de France. "Lignes de vie " ("La ligne de vie"sort en 1993 suivi d’un album "Entre elles et moi" ("Pour les enfants du monde entier " en duo avec Dee Dee Bridgewater), composé essentiellement de duos. Sa carrière internationale se poursuit avec un égal bonheur. En 1997 "Touché" permet à son auteur de parler des injustices qui le révoltent. Mais loin d’éclater de manière passionnée, c’est en douceur que le chanteur impose sa vision des choses. Il revient fin 2001 avec "Sans attendre" d’où est extrait "Apprendre", une chanson où il résume véritablement sa philosophie.
Le 5 juin 2002, il célèbre ses 30 ans de carrière à l’Olympia. L’année suivant, le défenseur de la langue française s’érige en apôtre de la lutte pour les droits de l’enfant. Soucieux de faciliter l’accession à la Convention Internationale des Droits de l’enfant, il sort la chanson " Tous les droits des enfant " en 2003. Un CD distribué dans toutes des nombreuses classes de l’hexagone.

Avec calme et lucidité, Yves Duteil a fait découvrir son univers intérieur où l’élégance de l’écriture se marie avec la force des thèmes abordés.

Artistes à voir

• Night Of the Proms
• Clap Your Hands Say Yeah
• Alex King
• Mercury Rev
• Gwen Stefani

Donavan

Donovan Leitch dit Donovan
Né le 10 mai 1946 à Glasgow (Ecosse)

Ce sont dans les ruines d’un Glasgow encore dévasté par les raids allemands de la seconde guerre mondiale que Donovan Leitch s’initie à la poésie de la Beat generation, qui émerge sous la plume fertile de Jack Kerouac, alors encore " Sur la route " d’Allen Ginsberg et de William Burroughs. Le jeune Donovan se laisse enivrer également par la torpeur du jazz et du folk de Woody Guthrie et un peu plus tard de celle de Bob Dylan.
Avec pour seule arme sa guitare, il débarque dans l’émission " Ready, steady, go " après qu’une de ses maquettes y soit remarquée. L’artiste y reviendra régulièrement dès 1965. Une participation qui lui permet d’enregistrer "Catch the wind " et " Colours ". Deux premiers titres qui ne sont pas sans rappeler la musique de Bob Dylan, la prose engagée en moins.
Les prises de positions ne tardent pas. Elles s’illustrent avec " The universal soldier ", dont la chanson titre est un plaidoyer antimilitariste, qui s’appuie sur une voix presque, elle aussi, enfantine. Une alliance qui séduit le public qui réserve un accueil chaleureux à " Jersey Thursday ", à " Donna, Donna " ou encore à " Sunny goodge street ", qui présage déjà d’une nouvelle influence à la fois jazzy et baroque.
Cette ère nouvelle s’ouvre sous l’impulsion de Mickie Most et de John Cameron, rencontrés en 1966. Le producteur et l’arrangeur lui font enregistrer une chanson rock. Initialement intitulée, " For John and Paul ", " Sunshine Superman " est un succès retentissant aux Etats-Unis et dans une bien moindre mesure en Grande Bretagne.
L’inspiration rock de l’album éponyme, qui sort en 1966, s’accompagne également de morceaux psychédéliques, notamment " Fat angel ".

Rock, jazz, baroque… de la musique avant tout chose

Un an plus tard, retour à l’influence jazzy avec le disque " Mellow yellow " qui comprend " Young girl blues " ou encore " Hampstead incident ".
Autant de chansons qu’il reprend lors de sa tournée aux Etats-Unis et en Europe. Témoignage de ses spectacles, le live " Donovan in concert ", qui sortira en 1969.
En 1967, au retour de son voyage en Inde, aux côtés de Beatles, il enregistre " Wear your love like heaven " et le très flower power, " A gift from a flower to a garden ".
La ferveur autour de Donavan s’estompe au début de la décennie si bien qu’en 1970 " Open road ", du nom du trio dont il est le chanteur, et " H.M.S Donovan ", des chansons enfantines sorties un an plus tard, ou encore " Cosmic wheels " en 1973 ne rencontrent pas le succès escompté.
Entre temps, il joue dans " Le joueur de flûte de Hamelin " de Jacques Demy en 1971. Il signe également la musique de " Brother sun sister moon " de Franco Zeffirelli en 1972.
Les années 80 ne le suis pas davantage propices, il faut en fait attendre 1996 et " Sustra ", qui fait l’unanimité auprès de la critique mais également de son public, qui quatre ans plus tôt avait déjà réclamé son retour après la sortie de la compilation, " Troubadour : the definitive collection 1964-1976 ".

Artistes à voir

• Bobby Valentino
• Marianne Faithfull
• Christophe Mali
• Ilene Barnes
• Mick est tout seul

Alice Dona

Alice Donadel dite Alice Dona
Née le 17 février 1946 à Maisons-Alfort

Très tôt initiée au piano et au chant, Alice Dona rejoint Le petit conservatoire de Mireille dès ses quinze ans.
Entre 1963 et 1965 elle enregistre plus d’une dizaine de 45 tours dont : " Le Noël des copains ", " J’ai dix-sept ans ", " Surboum 63 " ou encore " Mon train de banlieue ".
En 1963, elle se produit pour la première fois sur la scène de l’Olympia, en première partie de Colette Deréal et Leny Escudero. Deux ans plus tard, elle est à Bobino en première partie de Claude Nougaro.
Au début des années 70 et après la sortie de nouveaux singles comme " Et je m’en fout du grand amour " ou " Le pire des hommes " elle préfère composer pour d’autres interprètes.
La liste est longue : Claude François (" C’est de l’eau, c’est du vent " en 1970 ainsi que " Un peu d’amour, beaucoup de haine " un an plus tard), Joe Dassin (" Ton côté du lit " en 1973 et " Le Fan " cinq ans plus tard), Serge Reggiani (" Le monsieur qui passe "), Hervé Vilard (" Combien faudra t-il de temps ? " en 1970), Dalida (" O seigneur dieu pourquoi tu m’as abandonné ? " en 1973), Régine (" Toute blanche " également en 1973) ou encore Mireille Mathieu (" Qu’attends-tu de moi ? " en 1976 et " Un oiseau qui chante " un an plus tard ").

La collaboration avec Serge Lama

Mais sa collaboration la plus fructueuse reste celle avec Serge Lama. Ponctuée d’une fidélité sans faille, elle est marquée par " Je suis malade " en 1973, " Chez moi " l’année suivante, " Femme, femme, femme " en 1978 ou encore " Le dimanche en famille " en 1980.
Quatre ans plus tôt, Serge Lama toujours et Claude Lemesle proposent leurs textes à Alice Dona, qui séduite revient à l’interprétation. Jusqu’en 1986, elle enregistre ainsi sept albums, dont " L’antistar ", " Femme et musique ", " De la tendresse " ainsi que la " Nana 77 ".
A l’instar de Mireille, toujours demeurée une référence pour Alice Dona, elle quitte les studios pour créer " Les studios Alice Donna " où elle initie les plus jeunes à la chanson.
En 1999, elle revient avec son disque " Couleurs de l’ombre " avec notamment " Dans ce monde là " et " Je pense à l’âge ".
Deux ans plus tard, c’est la sortie de son Best of, " Femme et musique : ses plus belles chansons" comprenant également deux titres originaux : " Quand tu partiras " et " Ca va s’arranger ").

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